C’est quoi le design graphique, que fait un designer graphique ?

Si vous regardez un dictionnaire, la définition du design graphique ou graphisme est disponible.

Bien que la définition soit plutôt simple, on va essayer de faire le tour, pour avoir la meilleure compréhension possible du sujet.

C’est quoi le design graphique ou graphisme ?

Tout comme sur internet, d’ailleurs. Le dictionnaire nous dit ceci sur le graphisme :

Le design graphique ou graphisme est l’art ou la compétence consistant à combiner du texte et des images dans des magazines, des publicités ou des livres.

Et, bien que parfaitement précise, cette définition de design graphique ne fait qu’effleurer la surface de ce qu’est le design graphique et de ce que fait un graphiste. Tout comme de son importance pour la société moderne ; et surtout à quoi sert le design graphique.

Une autre définition que j’ai trouvée utile est celle-ci :

La communication visuelle désigne, dans un contexte marketing, l’ensemble des éléments d’informations transmis aux consommateurs à l’aide d’éléments graphiques et visuels.

Oui, le design graphique c’est aussi la communication visuelle.

Il y a aussi cette définition de l’AIGA (American Institute of Graphic Arts) :

Le design graphique, également appelé design de communication, ou graphisme est l’art et la pratique de la planification et de la projection d’idées et d’expériences avec du contenu texte et image.

Par la suite :

La forme que le graphisme prend peut être physique ou virtuelle et peut inclure des images, des mots ou des graphiques.

L’expérience peut avoir lieu en un instant ou sur une longue période.

• Vous pouvez réaliser le travail de design graphique à n’importe quelle échelle. Du design d’un seul timbre-poste à un système de signalisation postale national.
• Ce même travail, vous pouvez le destiner à un petit nombre de personnes, par exemple un livre ou un design d’exposition à édition unique ou limitée. Ou bien vous pouvez le présenter à des millions de personnes. C’est le cas avec le contenu digital et physique interconnecté d’un organisme de presse international, par exemple.
• Vous pouvez également l’utiliser à des fins commerciales, éducatives, culturelles ou politiques.

C’est qui le designer graphique, ou graphiste ?

Le designer graphique est celui qui communiquera votre marque et votre message à travers un logo impressionnant, une brochure enchanteresse et des affiches époustouflantes.

Souvent confondu avec l’illustrateur, un designer combinera des illustrations, des photographies et des caractères pour communiquer une certaine idée.

Considérer la différence entre un fabricant de meubles et un designer d’intérieur est un moyen de comprendre cela. L’un fabrique un objet spécifique dans un but spécifique et l’autre réfléchit à la manière de l’utiliser et de créer un environnement.
Un bon illustrateur est généralement un designer compétent, et inversement, ce qui rend leur différenciation un peu difficile.

Du print à l’écran

Les graphiques animés (motion design) sont également prédéterminés et conçus. Mais ils sont censés être expérimentés sur une période de temps déterminée. Ils ont tendance à aller au-delà du simple visuel, en insérant du son dans les photographies en mouvement, les graphiques vectoriels et la vidéo.

La différence entre ça et l’animation ou la vidéographie est semblable à la différence entre les graphiques 2D et les illustrations. Ils combinent animation, typographie et vidéographie à des fins de communication, et cette combinaison, au fil du temps et de l’espace, en fera le design.

Qu’ils soient digitaux ou physiques, un livre et un magazine doivent être appréciés au fil du temps. Pendant ce temps, le lecteur contrôle à la fois le rythme et la séquence de l’expérience. Dans un livre, le contenu arrive généralement le premier, avant le design, tandis que les magazines utilisent le design comme une structure qui anticipera à la fois le contenu écrit et le contenu visuel, qui n’a pas encore été créé (maquettage).

Certains catalogues d’exposition ou sites web commerciaux entrent également dans cette catégorie, tout comme les présentoirs de musée digitaux ou physiques qui présentent souvent des informations inchangées. Le contenu a un ordre suggéré, pensé à l’avance, mais le lecteur trouvera son propre chemin à travers le matériau.

Le design graphique n’est pas la même chose que l’infographie ?

La réponse courte est NON. Mais c’est un peu plus complexe que ça.

Les origines du mot infographie

Le terme « infographie » est un mot-valise formé à partir d’« informatique » et de « graphie ». Originellement il s’agit d’une appellation déposée en France par la société Benson en 1974 et, à intervalles irréguliers, depuis la création expérimentale d’hologrammes par ordinateur.

Dès 1978, le laboratoire central de physique appliquée de l’université Johns-Hopkins diffuse un cours qui sera traduit dans l’ouvrage de David F. Rogers “Mathematical Elements For Computer Graphics” (adapté en français dix ans plus tard par Jacques J. Lecœur sous le titre Algorithmes pour l’infographie).

Infographie : science de l’image, computer graphics

Dans l’ouvrage “Fundamentals of Computer Graphics, Fourth Edition” on peut lire :

Le terme infographie décrit toute utilisation d’ordinateurs pour créer et manipuler des images.

Vous pouvez en savoir plus sur ce sujet en lisant cet article.

Infographie : graphisme d’information

Le mot « infographie » est l’abréviation de graphiques d’information.

L’infographie définit la représentation visuelle de données facile à scanner et à comprendre au premier coup d’œil. C’est un outil puissant permettant aux entreprises et aux établissements d’enseignement de présenter des concepts et des données de manière plus attrayante et engageante.

Je vous conseille cet article pour aller plus loin sur le sujet.

Non, l’ordinateur ne détermine pas qui est graphiste et qui est infographiste

• L’infographiste est un « informaticien », il se sert des mathématiques et de la programmation informatique pour créer des images de synthèse. En fin de compte, très peu d’entre nous faisons de l’infographie, du “computer graphics”…
• Le graphiste d’information est un graphiste (graphic designer) qui s’est spécialisé dans le domaine du graphisme d’information, qui est la représentation de données structurées d’une manière facile à consommer par une audience généraliste.
  Le résultat de son travail est une infographie. Le mot ici s’écrit “infographics” en anglais. À ne pas confondre avec “computer graphics”, même si les deux se traduisent « infographie ».

Voici un livre, “Graphic Presentation” publié en 1939 et qui présente différent type d’infographies. Il a été rédigé par Willard Cope Brinton.

Aujourd’hui on parlerait plus précisément de “data & information visualization”.

Le livre a été publié en 1939, et l’informatique a été introduite dans le graphisme vers la fin des années ’70s.

Allez en profondeur avec cet article sur la différence entre infographe, graphiste et infographiste.

Introduction au design graphique : un bref historique

Le design graphique est également connu sous le nom de design de communication, design commercial, graphisme ou communication visuelle. Et il fait partie de notre vie depuis des siècles. Les preuves remontent à bien avant l’égypte antique, et à l’architecture grecque et romaine.

Mais ce n’est qu’en 1922 que William Addison Dwiggins designer de livres et typographe, invente le terme « graphiste [graphic designer] » pour décrire ses activités en tant qu’individu qui apporte un ordre structurel et une forme visuelle aux communications imprimées.

Le terme ne se généralise qu’après la Seconde Guerre mondiale.

Dans les années 1700, ces techniques étaient surtout utilisées dans les annonces dans les journaux, mais de manière assez rudimentaire. Au cours des XVIII^ème et XIX^ème siècles, les techniques ont également été développées dans les cartes à collectionner, les annonces classées et les avis publics.

Clin d’oeil au métro de Londres

Mais le design graphique tel que nous le connaissons aujourd’hui est né au début du XX^ème siècle. Par exemple, la signalisation pour le métro de Londres est considérée comme un chef-d’œuvre de l’ère moderne.

En fait, il utilisait une police de caractères spécialement développée pour le projet et qui est encore utilisée aujourd’hui. L’industrie du design a explosé au cours des 80 à 90 années qui ont suivi. Aujourd’hui, une carrière en design graphique est une très bonne option pour beaucoup de gens.

Dans une tentative de définir le design graphique, New Typography, le livre de Jan Tshichold, était incroyablement influent.

L’école de design allemande Bauhaus a poussé les choses plus loin et a établi une base solide pour les designers d’aujourd’hui.

Nous avons également des graphistes tels que Milton Glaser, Abram Games, Neville Brody et plusieurs autres qui ont poussé les choses à un autre niveau. Lorsqu’on parle de design graphique, il est important de noter qu’il joue un rôle crucial dans :

• la culture pop
• le commerce
• de nombreux autres aspects de la société moderne.

Les influences modernes du design graphique

La révolution industrielle a engendré des innovations dans l’industrie qu’elle a créée. En plus de faire croître le besoin en communication graphique.

Comme les Etats-Unis, l’Angleterre, et la plupart de l’Europe commençaient cette évolution vers la production de masse, des technologies comme la photographie et l’impression lithographique ont pourvu les outils de production nécessaires pour transmettre le message à des audiences de masse.

Le modernisme dans le commerce a été alimenté par le modernisme dans l’art et les disciplines du design.

Les mouvements modernistes dans le design ont donné naissance au design fonctionnel et ont poussé les designers à créer des communications signifiantes fondées sur des standards et des formats prédéterminés, incluant les posters, les brochures, les couvertures de livre, le design des magazines et les publicités (Meggs, 2006).

Les outils et techniques ne sont pas si nouveaux

Les outils et techniques employés par les designers aujourd’hui ont été influencés par le modernisme. Ces techniques incluent le montage (photomontage), le collage, la typographie symétrique et asymétrique, la géométrie, et plus important encore, la fonction avant la forme.

Beaucoup de mouvements modernes, y compris le futurisme, Dada et de Stijl, ont influencé les artistes et les designers.

Il est possible d’explorer les textes sur l’histoire de l’art et les sites web d’archives pour avoir une meilleure perception de tous les mouvements dans l’art moderne et postmoderne.

Un début de piste sur les styles et leurs caractéristiques a été documenté dans ce propos, incluant :

• le cubisme,
• le constructivisme,
• le Bauhaus et la Nouvelle Typographie,
• le postmodernisme Américain,
• et l’International Suisse.

Le style International Suisse est ce qui tient lieu de plus haut degré d’influence dans le digital design aujourd’hui.

Vous devez explorer chaque style pour bâtir vos propres options de composition. Il vous est possible de transférer et de combiner ces caractéristiques dans des projets graphiques pour faciliter vos propres approches.

1. Le cubisme

Le cubisme a des connections esthétiques avec le digital design moderne de nos jours. Notamment dans le fait qu’il est caractérisé par des figures aplaties, le chevauchement et l’intersection des plans, ainsi que par le collage de figures abstraites pour créer une entité visuelle.

Le mouvement a été mis au point par les artistes Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963). Puis il est apparu en deux stades incluant le cubisme analytique et le cubisme synthétique.

• Le cubisme analytique s’est éloigné du modelage des personnages traditionnel et techniques fondées sur la perspective, se focalisant sur l’emploi de figures naturelles et se faisant, astreignant la peinture à des figures aplaties.
• Le cubisme synthétique a évolué en tant que langage visuel et a été défini par la technique de collage. Introduite par Pablo Picasso comme une approche moderniste dans l’assemblage de « matériaux non-art » en des images synthétisées cohérentes. Les techniques de collage (du verbe français « coller ») combinaient des composants variés comme du papier de couleur découpé, des vêtements, du papier peint, des coupures de lettre, des coupures de presse, et des textures (Arnston 2006, 6).

Il y a également le cubisme orphique ou l’orphisme est un terme inventé en 1912 par Guillaume Apollinaire. Il est d’ailleurs auteur d’un poème intitulé Orphée, pour qualifier un cubisme plus orienté vers la sensation voire le.

2. Le constructivisme

Le constructivisme est survenu pendant l’éveil de la révolution Russe de 1917. Il a bénéficié d’une impulsion ultérieure de la Nouvelle Politique Economique de l’Union Soviétique de 1921, en tant que véhicule de la communication commerciale et politique.

Né en Union Soviétique, il s’est répandu à travers l’Europe, avec des mouvements constructivistes important en Pologne, Belgique et Tchécoslovaquie.

Le constructivisme a présenté une approche concentrée sur :

• des compositions riches en figures géométriques,
• le photomontage (la fabrication d’une image par la combinaison de deux ou plusieurs photos, une idée lancée par le Dada),

[…] et utilisant le caractère comme élément pictural (Heller et Chwast 2000, 262).

Le mouvement constructiviste utilisait des lignes et des figures pures, et a été capital à l’émergence du style Bauhaus.

3. Le Bauhaus et la Nouvelle Typographie

L’architecte Walter Gropius a fondé l’école du Bauhaus quand il a combiné la Weimart Art Academy et la Weimart Arts and Crafts School en Allemagne en 1919. L’école était enracinée dans le travail en monde réel. Elle était un rejet radical des approches divergentes qui ont été observées dans les écoles d’art de l’époque.

Heller et Chwast décrivent la Bauhaus comme un endroit où :

« les artisans et les artistes devaient faire découvrir les mystères de la créativité aux élèves, et les aidaient à accomplir un langage formel par eux-mêmes » (2000, 113).

L’école combinait art et métier et a été le lieu de naissance de l’architecture et du design modernes.

Le Bauhaus devint le point de repère du modernisme en design graphique et industriel au début du 20^ème siècle. Le Bauhaus réagit à l’amélioration du rythme du développement technologique et commercial avec un programme modifié. il a ainsi définit son image future sous la devise

« Art et technologie : une nouvelle union ».

L’école évolua en un atelier concentré aussi bien sur l’aspect fonctionnel que sur l’aspect esthétique du design et de l’architecture. « Produisant des prototypes pour la production de masse : d’une lampe unique à une habitation complète » (Bauhaus-Archiv Museum of Design, 1919).

Bauhaus : forme et fonction

Le concept selon lequel « la forme est soumise à la fonction » était d’une importance primordiale pour le Bauhaus. Là, la résolution de problème s’accompagnait d’esthétisme.

Par conséquent, la préoccupation précédente du Bauhaus devint un standard du design graphique fonctionnel à la fin des années 20 (Heller et Chwast 2000, 114).

L’école a été fermée par les Nazis en 1933.

Le focus de la fonction par devers l’esthétique est un standard principal pour un design réussi aujourd’hui. L’adhérence à la structure et une géométrie fluide ont rendu le design du Bauhaus discernable et stylistique.

La Nouvelle Typographie

Le Bauhaus a été l’incubateur pour la Nouvelle Typographie, un style qui a fusionné la démarche protégée et simple de la Bauhaus avec de nouveaux et émergents problèmes de design.

La Nouvelle Typographie a été lancée par Jan Tschichold, un designer influencé par la démarche fonctionnelle qui a ultimement fusionné les styles Bauhaus et constructiviste pour créer une nouvelle démarche.

La Nouvelle Typographie approche les créations fonctionnelles produites qui ont été mixées avec des caractères asymétriques et des compositions d’image.

4. Le postmodernisme Américain

Le style post-moderne en Amérique a émergé à partir des années ‘40 jusqu’aux années ‘50. Il a principalement été observé dans la création de la propagande en période de guerre. Tout comme dans les posters, les manuels, et les magazines d’actualité pendant la Deuxième Guerre Mondiale (Heller et Chwast 2000, 195).

Le point focal sur les designs d’information et d’éducation était d’une importance primordiale durant les années de guerre (1941-1945) mu par le besoin du gouvernement de publier des documents destinés à instruire les hommes et les femmes à la mécanique et aux matériels de guerre.

Quand la guerre s’acheva, le travail du design graphique se recentra sur l’usage de la communication persuasive et informative en design, pour vendre des produits et des idées à travers la publicité et l’édition.

Le style moderne Américain intégrait des illustrations et des photographies caractérisées par la clarté dans l’expression des idées. Des messages courts et des couleurs vives attiraient l’attention et transmettaient des messages clairs à travers les visuels. Avec l’intégration de l’abstraction et de l’asymétrie, le style donna lieu à un style corporate nouveau, raffiné.

5. Le style international Suisse

Après la guerre, la corporation devint le moteur principal dans la société, et un nouveau style corporate évolua en un Style Typographique International, aussi connu sous l’appellation style International Suisse.

Endigué par les styles Bauhaus et constructiviste, le style typographique international évolua en Suisse et en Allemagne pendant le milieu des années ’50 jusqu’aux années ’60. Il était caractérisé par « une photographie objective, une typographie sans serif, l’absence d’ornementation, et une composition stricte basée sur le système de grille. » (Heller et Chwast 2000, 196)

Les images étaient rognées, redimensionnées, et manipulées pour créer des compositions engageantes et intéressantes. Les grilles étaient utilisées pour créer ordre et clarté pour transmettre la communication graphique. Depuis ce moment, les grilles sont devenues un outil standard pour la composition en digital design.

Se focalisant sur des caractères sans serif comme Helvetica, le style International Suisse a été perçu comme formel et simpliste par beaucoup d’artistes et de designers de l’époque. Le rejet de ce style évolua en démarches post-modernistes qui associaient styles et philosophies.

Les différents types de design graphique

Le design graphique est partout. Des logos sur vos fournitures de bureau et vos tasses, aux emballages sur les barres de chocolat.

Vous verrez des centaines d’exemples de design graphique chaque jour et la plupart du temps, vous ne réaliserez même pas vraiment l’impact que cela a sur vous. Il remplit de nombreuses fonctions et porte plusieurs casquettes.

Voici quelques-unes de ses utilisations :

Design de logo et identité visuelle

Le branding est l’aspect stratégique et opérationnel de la création d’une marque. Il passe par la mise en place de la stratégie de marque, qui inclut le coeur de marque, la messagerie de marque et l’identité visuelle.

Le point d’entrée de tout système d’identité visuelle est le logo.

Milton Glaser l’a si bien dit : « Le logo est le point d’entrée d’une marque ». Je le décrirais comme la clé de l’univers de marque. C’est généralement, après le nom, la première chose à laquelle vos clients/prospects voient quand ils pensent à vous.

À l’heure de l’infobésité, votre logo ne doit pas être le fruit du hasard. Il doit s’aligner sur votre stratégie de marque, pour vous permettre de réaliser vos objectifs commerciaux. Good design is good business.

Pour aller plus loin en design de logo.

Identité visuelle

Les éléments appuyant l’identité de marque sont plus efficaces lorsqu’ils complètent clairement le logo, avec un indice visuel direct ou par un design et une exécution dans un style analogue.

Je vous conseille cet article si vous souhaitez approfondir la question du design d’identité de marque.

L’excellent livre d’Alina Wheeler Designing Brand Identity, est aussi un must, si la question du design d’identité de marque vous passionne.

Publication assistée par ordinateur ou desktop publishing

D’après le site web de l’iscpa! :

La publication assistée par ordinateur (PAO) consiste, comme son nom l’indique, à utiliser un ordinateur équipé d’un logiciel de publication spécial et connecté à une imprimante haute résolution pour créer et produire des documents à imprimer ou des formats digitaux.

Le terme « publication assistée par ordinateur » a été inventé suite au développement d’un type de logiciels qui permettent de combiner et réorganiser le texte et les images, afin de créer des fichiers numériques pour l’impression et le visionnage en ligne.

Si vous êtes déjà dans le bain, cet excellent document de l’imprimerie Exaprint, vous donnera les clés pour réaliser de super documents optimisés pour l’impression :

Emballage ou packaging

Je ne vais pas trop m’étendre ici. Je vais vous renvoyer à cet article pour en savoir un peu plus sur le packaging.

Et ensuite cet épisode du documentaire Building a Brand :

Digital design

Le digital design est vraiment vaste. Nous nous limiterons ici au design web et au design d’applications mobile.

Design web

Le design web englobe plusieurs compétences et disciplines différentes dans la production et la maintenance des sites web. Les différents domaines incluent le design graphique pour le web, le design d’interface, la création de contenu, incluant du code standardisé et des logiciels propriétaires ; le design d’expérience utilisateur, et l’optimisation pour les moteurs de recherche.

Il inclut principalement trois parties :

1. Recherche. Normalement, elle est incluse dans le design, mais je la mets à part pour l’aspect stratégique du projet, dont le résultat est le document de spécifications.
2. Design. Design d’expérience utilisateur et design visuel et design d’interface.
3. Développement (frontend et backend)

Pour en savoir plus, je vous conseille cet article.

Design d’applications mobile

Pour comprendre en profondeur le design et le développement d’applications mobiles, je vous recommande très fortement cet article.

Graphiques et titrages de film et de télévision

Ici, des notions de motion design sont nécessaires pour parvenir à ce type de résultat. Un de mes titrages préféré pour le cinéma est Casino Royale.

Pour la télévision, mon coup de coeur va à Mad Men :

Fashion design & streetwear design

Il y a une grosse confusion autour du fashion design et du streetwear design. Même si les deux disciplines traitent du vêtement et de la mode, les approches sont différentes.

Fashion design

Le fashion design ou design de mode est l’art d’appliquer le design, l’esthétique, la construction vestimentaire et la beauté naturelle aux vêtements et à leurs accessoires.

Il est influencé par la culture et les différentes tendances, et a varié dans le temps et dans l’espace.

Un créateur de mode crée des vêtements, y compris des robes, des costumes, des pantalons et des jupes, ainsi que des accessoires tels que des chaussures et des sacs à main, pour les consommateurs. Il ou elle peut se spécialiser dans le design de vêtements, d’accessoires ou de bijoux, ou peut travailler dans plus d’un de ces domaines.

Voici la masterclass de Marc Jacobs :

Streetwear design

Le streetwear est un style de mode décontracté qui est devenu populaire dans les années 1990. Il intègre des vêtements confortables mais à la mode tels que des t-shirts graphiques, des sweats à capuche, des pantalons de survêtement et des baskets coûteuses.

Le streetwear s’inspire à la fois de la culture hip-hop et du style skater, avec l’élément supplémentaire de la rareté intentionnelle des produits.

Graphisme environnemental (Environmental Graphic Design)

De nombreux designers créeront également un système qui devrait être expérimenté avec le temps, mais sans se limiter à la fabrication d’objets. La signalisation se réfère aux panneaux et aux marques qui sont appliqués sur les bâtiments ou les espaces extérieurs.

Bien que chaque panneau soit un travail de design, ils forment ensemble un système plus vaste, qui permet aux gens de naviguer tout en gardant une notion claire de leur position.

Le design du système et la relation entre toutes ces parties, c’est là que le designer apportera la plus grande valeur.

Les graphiques environnementaux (design environnemental) sont une catégorie plus large qui inclut des créations qui connectent une personne à un lieu et qui se chevauchent avec des affichages dynamiques, des images et des travaux créatifs.

Par exemple, un mur de terminaux affichant des vols ou un affichage digital sur la façade d’un bâtiment indiquant le prix des actions constituent tous des exemples de graphiques environnementaux.

Au 20^ème siècle, un consommateur n’avait généralement que deux points de contact pour une marque.

Ceci est juste une petite fraction des utilisations possibles.

De la complexité à la simplicité

Dans certaines situations, telles que le design des panneaux de signalisation, il devrait vous fournir un moyen clair et facile de transmettre des informations. Les cartes souterraines de New York ou de Londres en sont un excellent exemple.

Le design prend quelque chose d’assez complexe et la simplifie, facilitant la navigation. Si le design est trop complexe, cela gêne la fonction même de la carte et la rend ainsi inutile.

Cependant, dans d’autres situations, cela peut aller dans le sens diamétralement opposé, et être choquant, difficile à lire. Cela se voit souvent dans les couvertures d’albums, les affiches, ainsi que dans d’autres formes disruptives de design.

Et, dans ce monde moderne, le design graphique et le design web vont souvent de pair.

Un magazine, une épicerie ou tout autre type d’entreprise doit également être présent en ligne. Ce qui fait que les designers doivent conserver une apparence cohérente dans plusieurs disciplines, le design digital dictant souvent la manière dont le reste est exécuté.

Mais, quelle que soit son utilité, sans design graphique, la société moderne ne fonctionnerait pas.

Et il ne s’agit pas que de rendre les choses jolies, mais c’est une partie cruciale du business, ainsi que de la vie.

Les éléments du design graphique

Le design graphique peut utiliser une composition basée sur l’image qui implique des illustrations, des photos, des logos et des symboles. Mais aussi des compositions basées sur des caractères, voire une combinaison des deux.

Les créations peuvent inclure une ou plusieurs combinaisons des éléments suivants :

Les lignes

Qu’elles soient courbes, droites, ondulées, minces, épaisses ; les possibilités sont infinies. Elles permettent à un designer de séparer le contenu d’une mise en pages ou de diviser un espace. Elles peuvent également être utilisées pour guider les yeux de l’observateur.

Les formes

Offrent de nombreuses possibilités pour remplir de manière créative des espaces, soutenir du contenu et équilibrer le design. Vous pouvez créer des formes à partir de rien et utiliser des espaces pour donner à votre design de la clarté et de la structure.

La couleur

Ou son absence, est un élément très important. Vous aurez besoin d’une solide compréhension de la théorie des couleurs, et vous pourrez facilement influencer un design et une marque en intégrant les couleurs de manière audacieuse ou avec une brillante subtilité.

La typographie

Elle peut vous aider à transformer un message d’un texte simple en une œuvre d’art. La combinaison des polices et des alignements avec l’espacement, les couleurs et l’échelle peut ajouter beaucoup de puissance au message que vous communiquez au monde entier.

La texture

Cet élément du graphisme peut donner l’impression que même les annonces les plus lisses et les plus brillantes sont tangibles. Par son aspect visuel, elle vous donnera une idée de la surface tactile et de la profondeur.

Les outils du design graphique

Un designer professionnel est beaucoup plus qu’un esprit créatif avec une inclination artistique.

En design graphique, il est essentiel d’acquérir une connaissance approfondie de l’observation ainsi que de la pensée analytique. Un designer utilisera diverses méthodes pour combiner ses connaissances de l’art et de la technologie et communiquer un message spécifique en créant un visuel impressionnant.

On peut les limiter aux textes et aux images. Mais il y a des moyens plus matériels de traduire la pensée du designer.

Les carnets de croquis

Ce sont des outils traditionnels que vous pouvez utiliser pour esquisser une idée. Ils constituent le moyen le plus rapide de faire un brouillon. Ce design peut ensuite être développé avec d’autres technologies et outils.

Les ordinateurs

Un ordinateur est l’outil essentiel de la boîte à outils de chaque designer, et un matériel tel que la tablette (à dessin) peut vous permettre d’élargir votre liberté de création tout en conservant la convivialité du carnet de croquis.

Les logiciels et la technologie ont ouvert de nouvelles voies pour concrétiser une vision créative. Vous trouverez des logiciels spécialisés tels que Photoshop et Illustrator qui vous aideront sur tout, de la création d’illustrations à la mise en valeur de photographies et à la création de superbes mises en page.

Conclusions et perspectives sur le design graphique

Le design graphique est un métier où les professionnels créent du contenu visuel pour communiquer des messages.

En appliquant des techniques de hiérarchie visuelle et de mise en pages, les designers utilisent la typographie et les images pour répondre aux besoins spécifiques des utilisateurs.

L’une des conséquences des changements mondiaux aujourd’hui est que les entreprises voient enfin les sites web et les applications mobiles comme des produits et services pour le consommateur de la même manière que leurs produits et services réels.

Cependant, pour beaucoup d’entre elles, cela n’a pas de sens dans la structure organisationnelle existante d’embaucher des spécialistes créatifs à temps plein. Car le bonus d’interdisciplinarité (c’est-à-dire la réflexion intersectorielle et cross-média) serait bientôt perdu.

Néanmoins, de plus en plus d’entreprises reconnaissent qu’elles ont précisément besoin de ce type d’expertise créative pour relever les défis du futur.

Pour cette raison, les designers interactifs et les agences sont devenus des partenaires stratégiques, qui sont impliqués dans la planification de nouveaux projets à un stade précoce.

Les designers sont de plus en plus impliqués dès le départ :

• ils analysent et identifient les problèmes,
• définissent les processus,
• rédigent les briefs des projets
• et développent les produits.

Ils sont passés de prestataires de services pour un canal de communication à des partenaires d’entraînement que la direction de l’entreprise peut utiliser lorsqu’elle échange des idées. En conséquence, la profession du design est devenue plus large, plus profonde et plus polyvalente.

D’une part, on a de plus en plus besoin de l’expertise technique d’un éventail de spécialistes du vieux design : motion designers, designers industriels et designers d’expérience utilisateur, par exemple. D’autre part, l’ensemble de la profession du design exige désormais la capacité d’empathie et de collaboration.