Lucille Tenazas a été aux premières loges de l’évolution de l’enseignement du design au cours des 30 dernières années. Médaillée AIGA et lauréate 2002 du Cooper Hewitt National Design Award, elle est actuellement professeure Henry Wolf à la School of Art, Media, and Technology de la Parsons School of Design de New York.
Auparavant, elle a passé 20 ans dans la région de la baie, où elle dirigeait son propre studio et était la présidente fondatrice du programme MFA en design du California College of the Arts de San Francisco. Elle a été présidente nationale de l’AIGA et a obtenu sa maîtrise en design de la Cranbrook Academy of Art.
Une conversation avec le designer + éducateur sur l’enseignement du design en tant que nom et verbe
L’été dernier, Jarrett Fuller a parlé avec Tenazas de ses expériences dans l’enseignement du design pour le nouveau livre “1, 10, 100 Years of Form, Typography, and Interaction at Parsons, a history of the school’s Communication Design program”. Au cours de leur vaste conversation, ils ont parlé du design en tant que nom et verbe, de la valeur de l’enseignement du design et de la façon dont l’enseignement du design est resté le même et a changé au cours de sa carrière.
Voici leur conversation
Q : La raison pour laquelle j’aime tant le mot design est qu’il s’agit à la fois d’un nom et d’un verbe. Quelque chose que j’ai découvert, c’est que lorsque les étudiants débutent dans le design, ils y pensent comme le nom. Ils veulent faire quelque chose : l’affiche, le livre, l’application. Mais vous avez souvent parlé du fait qu’enseigner le design, c’est un peu comme enseigner à une cible mouvante ; sur la façon dont le domaine change si vite – les noms changent si vite.
R : Cela me fait penser que cela n’a pas toujours de sens d’enseigner le nom, comme dans « voici comment vous créez des applications » ou « voici comment vous reliez un livre ». En fait, ce qui a plus de sens, c’est d’enseigner le verbe. Je suis curieux de savoir ce que vous pensez de l’enseignement du design en tant que processus plutôt que d’enseigner un résultat ?
Quand un étudiant me dit : « Lucille, j’ai une idée de thèse. Je veux créer un site web. » Je dis : « Non, ce n’est pas une idée de thèse ». Un site web est une plateforme, pas une idée. Une idée de thèse est un sujet que vous aimeriez approfondir – il peut s’agir de la météo, de la géographie, des modèles de trafic – tout sujet qui vous intéresse et que vous pouvez explorer de différentes manières. Après une recherche exhaustive, vous pouvez alors décider quelle forme exprime le mieux cette idée. Donnez-moi l’essence de cette idée, puis nous pourrons discuter si vous voulez faire un livre ou une carte ou un site web.
Enseignement du design : processus vs résultat
Nos smartphones sont les portails de communication les plus répandus que nous ayons, mais comment savons-nous quel sera le prochain média ? Peut-être y aura-t-il des puces incrustées dans nos poignets. Mais votre cerveau continuera à fonctionner en tant que designer. Alors, en tant qu’éducateur, je me demande : « Que puis-je faire pour préparer les élèves à penser comme ça et m’assurer qu’ils apprennent à s’adapter, à être observateurs et à utiliser les facultés dont ils disposent pour s’engager dans le processus, et à être en même temps généreux et hospitalier aux nouvelles formes ? »
Quand j’étais étudiant, bien avant vous, il n’y avait pas d’ordinateurs dans les studios, mais quand j’ai obtenu mon diplôme de Cranbrook en 1982, je me considérais comme un designer. Nous sommes maintenant en 2021. Cela fait 39 ans !
J’ai été loin de l’école pendant 39 ans et je suis toujours designer. Les outils ont évolué mais mon approche est restée la même. Les artefacts, les outils, les conditions changeront en fonction du temps, mais ce qui est important, c’est que l’on ait l’espace de tête, la tactique, l’approche.
Je dis ceci à mes étudiants : nous sommes en 2021, et si nous ajoutons 40 ans à cela, nous arrivons à 2061. Que ferez-vous ? Je serai morte, mais vous serez toujours designer ! Je suis la preuve qu’on peut continuellement évoluer en tant que designer et rester pertinent, des années après avoir quitté l’école.
Le design dans 40 ans, et les designers ?
Q : Quand j’ai commencé à enseigner, quelqu’un de plus âgé que moi a dit que lorsqu’il pense à son travail d’éducateur, il ne voit pas nécessairement former les étudiants pour ce premier emploi immédiatement après l’université, mais pour celui d’après. Ce travail est plus difficile à obtenir à certains égards, car tout change.
Et quand je vous entends parler d’être designer en 2061, c’est la même idée. Que pensez-vous de cette réflexion à long terme avec des étudiants qui viennent souvent à New York, qui contractent des prêts, sachant que cela leur coûte de l’argent et qui pensent « Je ferais mieux de trouver un emploi après ça » ?
R : Oui, je crois en cette approche et je comprends cette attitude des étudiants. Je pense aux parents qui paient beaucoup d’argent pour que leurs enfants soient éduqués, et la première chose qu’ils veulent savoir, ce sont les données sur l’employabilité. C’est pourquoi les sites web des écoles répertorient toujours les entreprises pour lesquelles travaillent leurs anciens élèves, et il n’est pas facile de dire : « ne vous inquiétez pas, votre enfant a un diplôme en design ! »
Mais quand vous regardez le design avec un « D » majuscule, c’est, comme vous le dites, à la fois le verbe et le nom ; c’est à la fois un processus et un artefact.
Je veux dire à ces parents : « Votre enfant apprend en fait à comprendre comment le monde fonctionne. Ils peuvent finir par fabriquer un artefact. C’est plus facile parce qu’ils sont formés dans une discipline où c’est un sous-produit de la profession, mais la leçon la plus importante est qu’ils sont éminemment qualifiés pour réfléchir à des problèmes dans un contexte plus large que peut-être quelqu’un avec un diplôme en commerce ou en droit ne pourra jamais avoir. »
Enseignement du design et système éducatif : incompatibilité ?
Q : Mais souvent, il semble que le système de formation en design ne fait que suivre ce que le monde professionnel recherche. Nous entendrons des entreprises dire : « nous voulons des designers d’applications » ou « nous avons besoin de personnes capables de faire X », puis nous nous disons : « OK ! Ajoutons cela dans nos cours pour que les étudiants puissent le faire ! »
En pensant au design de manière plus holistique, en pensant au processus, à la réflexion et à l’approche, il y a en fait un changement qui pourrait se produire où les prochaines générations d’étudiants pourraient réellement influencer l’industrie au lieu de l’inverse.
R : Cela me rappelle l’époque où je développais le programme d’études supérieures en design au CCA [California College of the Arts] en 1999. J’étais en train de préparer le prospectus du programme et j’avais, à ce moment de ma carrière, traversé une expérience de leadership en tant que président national de l’AIGA de 1996 à 1998, avait enseigné pendant plusieurs années depuis 1985 et avait exercé la profession de designer pendant près de 15 ans.
Je croyais qu’à travers ce nouveau programme, je pouvais créer les parcours pédagogiques pour que ces trois expériences se rejoignent. Je voulais intégrer l’écriture, le leadership et le design dans un seul programme.
Cours d’écriture obligatoire
J’ai donc inclus un cours d’écriture obligatoire car en tant que designers, nous sommes souvent les destinataires de textes existants écrits par quelqu’un d’autre, mais si les designers sont formés pour écrire, nous pourrions être les auteurs de notre propre texte. Un designer pourrait à la fois l’écrire et le concevoir.
Cours de leadership
Le deuxième pilier était le leadership. Je me demande souvent :
Arrivera-t-il un jour de mon vivant que le PDG d’une grande entreprise du Fortune 500 soit quelqu’un qui a un MFA en design ? C’est devenu mon objectif.
La plupart des PDG et des cadres supérieurs ont soit un diplôme en droit, soit un MBA, et je voulais que le design ouvre la voie à ces postes de direction ! L’enseignement du design peut donner aux gens une compréhension holistique de problèmes complexes. Je pense que si vous avez suffisamment de ces personnes à des postes décisionnels de haut niveau et que vous découvrez qu’elles ont une formation en design, nous commençons à changer la façon dont le design est perçu et compris.
Donc, pour répondre à votre question :
Les éducateurs qui élaborent des programmes de design doivent anticiper le paysage culturel, politique et social dans lequel ils préparent leurs étudiants à entrer. Nous ne devrions pas attendre que l’industrie nous dise ce qu’elle recherche.
Quand les gens me demandent ce que les designers peuvent faire, je dis que c’est le développement de la pensée synthétique. C’est l’état d’esprit qui prend le meilleur de toutes les choses que l’on sait et découvre comment l’adapter à la situation actuelle. Je veux des étudiants qui peuvent s’engager avec le monde, qui sont alphabétisés dans différents domaines, et pas seulement en design. « Voir plus, penser plus », déclare le critique d’art et auteur Jed Perl.
Enseignement du design : cerveau agile et mains habiles
Q : Une chose que j’apprécie dans le programme Parsons est qu’en plus de cette pensée synthétique, il met également l’accent sur l’artisanat. Je pense que souvent ces deux-là se déconnectent. Entre la réflexion et l’artisanat, l’un d’entre eux a toujours la priorité là où c’est soit « fabriquons simplement des choses qui ont l’air bien pour avoir un bon portfolio pour chercher un emploi », mais il n’y a pas de réflexion derrière.
Ou c’est « soyons vraiment réfléchis, faisons toutes ces recherches », puis au moment où on arrive à l’artefact réel, c’est une déception. Comment vous assurez-vous que ces deux éléments sont toujours synchronisés ?
R : Je montre souvent à mes étudiants des exemples de praticiens du design et de leur travail, et je leur demande quelles qualités font ressortir leur travail.
Les meilleurs designers sont ceux qui équilibrent la qualité de la pensée avec la qualité de l’artisanat.
Vous pouvez être un penseur intelligent, mais vous devez également faire attention à la qualité du travail, car au final, le travail doit se suffire à lui-même.
Je leur dis : « Vous êtes des centaines de milliers à sortir diplômés de cette discipline chaque année. Comment allez-vous vous démarquer ? Votre travail sera-t-il comme celui de tout le monde ? Ou racontez-vous une histoire visuelle qui déclenchera quelque chose de sorte que lorsque quelqu’un la verra, il devra s’arrêter et essayer de déchiffrer quelque chose, non par confusion, mais par intérêt ? Cela n’arrêtera peut-être pas tout le monde, mais quand quelqu’un le fera, cela signifie que vous avez trouvé votre partenaire. Ils verront le potentiel de ce que vous avez fait et voudront en savoir plus sur vous. Ce sont les personnes à qui vous voulez donner du temps. »
Prospectives sur le design
Q : Le domaine du design est devenu de plus en plus vaste. Il y a toutes sortes de choses que les étudiants conçoivent maintenant qui n’existaient pas quand j’étais à l’école, et qui n’existaient certainement pas quand vous y étiez. Que voyez-vous comme suite ? En repensant à votre histoire et en vous projetant dans les 40 prochaines années, quels sont les prochains grands changements dans le domaine ?
R : Nous avons bouclé la boucle, car lorsque vous m’avez posé des questions sur le design en tant que cible mouvante, c’est tout. Les livres existaient au 17ème siècle, mais la façon dont nous lisons et dont nous abordons les systèmes de lecture va changer. Pourquoi y a-t-il encore une tentative d’imiter la physicalité de « tourner la page » ? Les formes peuvent changer mais nous pensons toujours aux actions du corps qui permettent que cela se produise. En bref, notre humanité transcendera toutes les avancées technologiques réalisées.
Au fil des ans, de nombreux mots ont été apposés sur le design – nous avons le design thinking ou le design de service ou le design expérientiel ou tout ce qui est à la mode à l’époque. Nous rajoutons ces adjectifs pour légitimer notre métier mais le mot « design » reste ; c’est le dénominateur commun.
Le design est devenu le lieu qui relie tous ces autres domaines d’étude.
Ici, à The New School, dont Parsons fait partie, nous avons un programme sur le design et l’avenir de l’édition et un nouveau domaine d’étude en anthropologie et design. Quelle que soit la suite, le design sera là. C’est toujours vert, quelle que soit la façon dont il sera défini. J’ai donc l’impression qu’il y a des choses qui changent et des choses qui restent les mêmes, et l’important est que les choses qui restent les mêmes évoluent continuellement. C’est le cœur, je pense, de la façon dont nous pratiquons le design.
Cette interview est un extrait édité de 1, 10, 100 Years of Form, Typography, and Interaction at Parsons, désormais disponible chez Oro Editions.
